Carlo Perna - Artista - Obras



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Carlo Perna, trabaja


Transparencias


Composición V


Continuidad


Concierto


Sensaciones romanas


El nuevo dia


Espacio 25


La danza de la vida


Memoria de Agrigento


Espacio 11


Nevada


Espacialidad


Homenaje a Morandi


Entre los remolinos


Amantes

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Rosa Mundi, Daniela Papadia Paola Cassola Perna Gaia Todeschini

BIAS 2018 en Palermo se presenta en Venecia con la exposición Porta itineris dicitur longissima esse del 10 de mayo al 30 de junio de 2017. En el Algiubagiò Garden Ca 'Donà una exposición colectiva sobre el tema de la puerta comisariada por WISH WOrld International Sicilian Heritage and the Polytechnic de Turín. Entras en la primera sala creada por Michela Sichera de la Politécnica con obras del proyecto Gang City presentado en Venecia en la Bienal de Arquitectura de 2016 para llegar al fondo, mucho más allá del prejuicio ordinario en términos de espiritualidad. Nos adentramos en el universo laberíntico y profundo de BIAS sobre el tema de la puerta. El artista, los artistas, juntos en su diversidad ofrecen una interpretación auténtica del tema filosófico y espiritual de la puerta. Entrando por la izquierda, el Protoquadro de Federico Bonelli ofrece millones de posibles imágenes de San Francesco da paola mientras cruza el Estrecho de Messina. Cada fracción de segundo es escaneada por una nueva pincelada logarítmica, el fluir imperceptible pero veloz del movimiento cambia la imagen en la puerta de nuestra visión siempre un segundo después. El pasado irrumpe en el presente revelando una imagen siempre nueva.
Frente al Protoquadro, una imagen impresa en lienzo transparente Les Vestiges du jour de Rosa Mundi nos habla de dos arcos superiores de dos puertas inmensas, aparentemente contemporáneas, y simplemente de pura arqueología. En realidad, entre una puerta y otra hay al menos cuatro siglos de humanidad. Aquí estamos en Siria, el tiempo parece haberse detenido. Las piedras nos revelan las innumerables veces que se ha detenido.
A la derecha de la foto las obras “disoluciones” de Gaia Todeschini tomadas en Zaragoza. lineal y sobria para seguir tras las puertas sirias de Rosa Mundi para significar la arqueología, ocurrida en la época de la humanidad que la creó, que ya no deja ninguna relación de calidad ni canon estético. Un primer edificio blanco, rodeado de naturaleza, revela las colinas de olivos. Luego, lentamente, se adelgaza hasta su total abandono. La visita a la exposición se desarrolla en sentido antihorario. las tres últimas disoluciones de Gaia Todeschini son el testimonio de lo que nuestra humanidad, nuestro siglo deja al tiempo: trae construcciones cementosas, implosionadas, acantilados y desmoronamientos. Al fondo un paisaje desolado de campos de aerogeneradores. Siguiendo la foto del último tramo de la autopista de Reggio Calabria por el fotógrafo Armando Perna conduce a la última puerta, el último viaducto completado después de años. La fragilidad de las "patas" del viaducto es el primer plano de la foto.
A esto le sigue la mesa de alianza de Daniela Papadia que se comunica con la clave de La última cena de Rosa Mundi en un juego ininterrumpido de reflexiones filosóficas y referencias, entre quienes somos, lo que creemos que somos, lo que realmente podemos entender por ser.

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Piero Manzoni en Roma - Entrevista con la autora Raffaella Perna

Se intrudujo hace unos días en Roma en el Macro - Museo de Arte Contemporáneo de Roma, laL libro "Piero Manzoni y Roma" de Raffaella Perna, publicado en la serie Electa pez rojo, es el quinto volumen de la serie especial dedicada a la figura de Piero Manzoni, creada en colaboración con la Fundación Piero Manzoni. Presentado por la autora Raffaella Perna con las intervenciones de Claudio Crescentini, comisario e historiador del arte de MACRO, Federica Pirani, Jefe del Servicio de Exposiciones de la Superintendencia Capitolina de Patrimonio Cultural e Claudio Zambianchi, Catedrático de Historia del Arte Contemporáneo, Universidad Sapienza de Roma.

En esta ocasión hablamos de uno de los protagonistas indiscutibles del arte contemporáneo del siglo XX, Piero Manzoni. Milanés, se rodeó de muchos amigos artistas como Lucio Fontana por ejemplo, con quien solían quedarse en su bar favorito, el famoso Bar Jamaica, para tomar un café pero no solo, también para brindar por el éxito de las obras de arte de Piero. apreciado por amigos. Cuando trabajaba, no solo usaba lienzos, pinceles y pinturas. Piero Manzoni dibujó metros y metros de línea y luego los cerró en rollos de cartón, a veces los medía, a veces lograba hacerlos infinitos. Famosos son sus Acromos, trabajos trabajados con telas, algodón, o simplemente se utiliza el lienzo, el mismo material básico de la pintura, trabajándolo, arrugándolo todo, dejándolo en blanco. Luego se pintan todas las composiciones con caolín que da el típico aspecto de yeso blanco a las obras de Manzoni, el proceso de las obras se realiza por sí solo, es autosuficiente. La obra más brillante, que lo hizo muy famoso, y el protagonista: lo innombrable es la "mierda del artista". No sabemos exactamente qué hay en esas cajas, pero Piero Manzoni allí no solo puso su mierda, ¡sino la idea! Y nadie lo había hecho antes. Por ello y no solo se encuentra hoy en los museos de arte contemporáneo, sino que forma parte de grandes colecciones públicas y privadas y aún está en estudio.

Breve entrevista a la autora Raffaella Perna y su libro sobre Piero Manzoni y Roma ...

1) ¿Cómo nació el libro Piero Manzoni e Roma?

La comisaria de la Fundación Piero Manzoni, Rosalia Pasqualino Di Marineo, me invitó a hablar en la conferencia sobre Manzoni celebrada en noviembre de 2014 en el Palazzo Reale de Milán. En esa ocasión presenté una primera aportación sobre la relación entre Manzoni y el medio artístico romano entre finales de los años cincuenta y sesenta, en consonancia con mis estudios previos en la Escuela de Piazza del Popolo. De ahí nació la idea de profundizar en la investigación y publicar un volumen en la serie Pesci Rossi de Electa, en la serie especial dedicada a la figura de Manzoni, creada en estrecha colaboración con la Fundación.

2) ¿Puedes describir su forma de pensar en 3 expresiones?

Puedo responderte citando 3 frases escritas por Manzoni, que resumen su pensamiento y sobre todo nos hacen comprender su extraordinaria profundidad cultural: "No hay nada que decir: solo hay que ser, solo hay que vivir " “¿Por qué no limpiar esta superficie? ¿Por qué no intentar descubrir el significado ilimitado de un espacio total, de una luz pura y absoluta? " “No puedes salir de la tierra corriendo y saltando, necesitas alas”.

3) ¿Ha existido siempre una relación estrecha entre el arte y la idea creativa? ¿Cómo lo desarrolló Manzoni?

Manzoni exploró soluciones desmaterializadas y performativas, caracterizadas por la atención al cuerpo y la participación directa del público. La ruptura de las fronteras entre el arte y la existencia cotidiana y el interés por los procesos orgánicos y fisiológicos son elementos esenciales de muchas de sus obras, desde Cuerpos de aire, esculturas vivientes y caca de artista.

4) ¿La obra de arte se describe a menudo como un producto de la irracionalidad humana, el resultado de la falta de emociones sin reglas, en su opinión?

Sobre este punto se expresó muy claramente Manzoni en 1957, cuando en el manifiesto El arte no es verdadera creación, firmado con Ettore Sordini y Angelo Verga, afirma que el artista debe eliminar los gestos inútiles, es decir, "todo lo que hay en nosotros como personal". y literario en el peor sentido del término: nebulosos recuerdos infantiles, sentimentalismo, impresiones, construcciones intencionales, inquietudes pictóricas (...), falsas ansiedades, inconscientes hechos inconscientes ... "

5) ¿A qué artista le gustaría escribir? ¿Y el artista que expresivamente se siente más cercano a ti?

Entre los artistas con los que no he tenido contacto, pero con los que me gustaría tener alguno, están John Baldessari y Valie Export. Un artista que conozco y amo mucho es Francesco Vezzoli, su última exposición en la Fundación Prada fue un gran proyecto.

6) ¿Qué le gustaría transmitir a su audiencia con este libro?

Espero haber podido dar una lectura convincente de las estrechas relaciones que Manzoni ha tenido con Roma desde mediados de la década de 1950, centrándome en las deudas y legados de su obra en el entorno cultural de la capital, que en ese momento era particularmente vital. y rico en personalidades originales, incluido Alberto Burri en Cy Twombly. También espero que el libro revele la extrema fluidez y complejidad de las relaciones entre Roma y Milán, realidades artísticas que con demasiada frecuencia se tratan por separado.

Soy comisaria para la editorial University Press Sapienza de un volumen diverso sobre Renato Mambor, artista vinculado a la Escuela de Piazza del Popolo, fallecido hace tres años. También estoy preparando, junto con Francesca Gallo, una gran exposición antológica sobre Ketty La Rocca, que se inaugurará en la primavera de 2018 en Ferrara. Gracias a la colaboración con el archivo del artista se presentarán algunos materiales inéditos y varias obras nunca antes expuestas. Mientras tanto, sigo trabajando en la relación entre el arte y el feminismo en Italia, con varios proyectos editoriales y expositivos.

8) Finalmente, ¿qué le gustaría dejar para el futuro?

Por el momento pienso más en el presente que en el futuro, espero dejar algo de lo que tengo

El libro de Raffaella Perna documenta la relación entre Manzoni y Roma, perfilando el entramado de relaciones que el artista milanés entrelaza con críticos romanos, galeristas y artistas, y sugiriendo también una nueva lectura de las ideas que los llamados artistas de Piazza del Popolo encontraron en el encuentro con Manzoni.

Los primeros contactos del artista con Roma se remontan a 1955 cuando, con solo veintidós años, se matriculó en la Facultad de Letras y Filosofía de la Sapienza. Entre 1959 y 1961 Manzoni expondrá en Roma cuatro veces, primero entrando en contacto con la Galería Appia Antica y con el medio cultural y artístico de Emilio Villa y con la Galería Trastevere de Topazia Alliata, luego con la Galleria La Tartaruga dirigida por Plinio De Martiis. En Roma, que en ese momento vivía una temporada artística particularmente fértil, la influencia de Piero Manzoni se manifestó en dos fases diferentes: a finales de los años cincuenta, el aspecto acromático y antiexpresivo de la investigación de Manzoni fue mirado con interés por jóvenes, artistas romanos, en particular Franco Angeli, Mario Schifano, Giuseppe Uncini y Tano Festa. A mediados de los años sesenta, la obra de Manzoni es pues ya una fuente importante para el arte romano: a ello contribuye considerablemente la estrecha relación que el artista mantiene con la capital a lo largo de su corta vida, desde su primera estancia. Exactamente ocho años después de la muerte de Manzoni, fallecido de un infarto el 6 de febrero de 1963, la exposición en la Galería Nacional de Arte Moderno es la consagración definitiva de su obra: a partir de este momento, la investigación de Manzoni entra en el canon del italiano. arte del siglo XX como uno de los puntos más significativos y originales de la investigación posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Con motivo de la presentación del libro, se proyectará por primera vez en Roma la película Piero Manzoni, Artista, dirigida por Andrea Bettinetti y producida por Michele Bongiorno y Sky Arte HD, en colaboración con la Fundación Piero Manzoni, Milán . El documental, realizado a través de testimonios directos de amigos, familiares y artistas que lo conocieron y frecuentaron, quiere reconstruir la personalidad del hombre, mostrar su trayectoria artística a través de obras y proyectos inacabados, explorar el secreto de su increíble relevancia, incluso en palabras de personalidades contemporáneas de fama internacional ya través de un extenso aparato documental y audiovisual. Entre los materiales inéditos surgidos durante la investigación, destaca el extraordinario descubrimiento de películas de época que constituyen un testimonio muy poco común de las imágenes grabadas del artista en algunas de sus acciones creativas más conocidas. La iniciativa es promovida por Roma Capitale, Departamento de Crecimiento Cultural - Superintendencia Capitolina para el Patrimonio Cultural.

Piero Manzoni (Soncino, 13 de julio de 1933 - Milán, 6 de febrero de 1963) fue un artista italiano, internacionalmente famoso por su Achrome y Merda d’artista. Nacido en Soncino en 1933 de una familia de origen noble, descendiente lejano de Alessandro Manzoni, creció en Milán, ciudad donde estudió por primera vez en el Liceo Classico Leone XIII, y en la Academia de Bellas Artes de Brera. Gracias a los conocidos de su familia, pronto entró en contacto con el entorno artístico milanés y, en particular, con el artista Lucio Fontana, el célebre fundador del espacialismo. La primera producción de Manzoni se remonta a modelos tradicionales, principalmente paisajes y retratos al óleo. Ya en 1955, sin embargo, comenzó a probar suerte en la creación de pinturas que tienen como tema las huellas de los objetos cotidianos, comenzando a hacer del lienzo un instrumento a través del cual capturar la realidad. 1958 marca la época de los Achromes, del francés incoloro: lienzos empapados en yeso o caolín líquido y cola, con una superficie blanca. No hay intervención del artista sobre la obra que se cambia a sí misma, el material se transforma cuando se seca sobre el soporte. Manzoni expone sus obras en una muestra colectiva con Enrico Baj y Lucio Fontana. en 1959 para continuar su investigación en la dirección del "Acrhome", comienza a pintar las "Líneas", concebidas como objetos conceptuales. De este período datan los primeros "Cuerpos de aire", es decir, simples globos llenos de aire que luego serán reconocidos con el nombre de "aliento de artista" y en 1960 exhibidos en el centro de exposiciones Azimuth, vinculado a la famosa revista que fundó. con su colega Enrico Castellani en 1959. Entre 1959 y 1961 Manzoni expondrá en Roma cuatro veces. Mientras tanto, el estilo de Piero Manzoni se vuelve aún más radical, proponiendo nuevas obras con un carácter cada vez más provocador. Además de seguir trabajando en las "Líneas" y "Acrhome", firma unos huevos duros con la huella de su pulgar, que se distribuyen al público y se comen en el acto durante una de sus actuaciones. También diseñó una "Base Mágica" consistente en un simple pedestal, firmado por él, capaz de elevar a cualquiera que se hubiera subido a él al papel de obra de arte. En 1961 empaqueta y vende la más famosa de sus obras, a saber, 90 "Merde del artista", con un peso de 30 g. Cada uno, vendido a un precio equivalente a tantos gramos de oro cada uno. Además de aludir, irónica y metafóricamente, al origen profundo de la producción artística, la obra aborda una crítica precisa del sistema de mercado del arte contemporáneo, en el que parecería posible que un artista establecido venda cualquier cosa haciéndolo pasar por arte. Continúa con la construcción de otra "Base Mágica" y la "Base del mundo", un paralelepípedo de hierro volcado, para elegir al mundo mismo como obra de arte. En 1963, a la edad de 29 años, murió repentinamente de un ataque al corazón en su estudio de Milán.

Raffaella Perna - Es profesor de Historia del Arte Contemporáneo en el Departamento de Ciencias de la Educación, Patrimonio Cultural y Turismo de la Universidad de Macerata. Escrito: (2016) Pablo Echaurren. El movimiento de los indios del 77 y metropolitanos, Postmedia Books, Milán (2013) Arte, fotografía y feminismo en Italia en los años setenta, Postmedia Books, Milán (2013) Wilhelm von Gloeden. Disfraces, retratos, tableaux vivants, Postmedia Books, Milán (2009) En forma de fotografía. Investigación artística en Italia de 1960 a 1970, DeriveApprodi, Roma.

Es curadora independiente, asesora de arte y consultora de gestión de marketing cultural internacional. Durante más de 20 años ha sido diseñador cultural de eventos relacionados con el arte contemporáneo con especial atención a los espacios inusuales y a las interacciones con otras artes. Como director de proyectos, tiene un conocimiento profundo de los diferentes procesos involucrados en la planificación, coordinación y actividades para grandes eventos desde la organización, la curaduría, la investigación, hasta la redacción de textos y catálogos. Ha creado y comisariado más de 50 reseñas, exposiciones individuales y colectivas, instalaciones e intervenciones en espacios públicos en Italia.
Ha seguido proyectos de estudio en una estrecha relación empresa-cultura en colaboración y por encargo de grandes empresas, organizaciones de arte, medios de comunicación, festivales, universidades, instituciones. Entre los interlocutores: Embajadas (Francia, Suiza, Bélgica, Alemania, Austria, España, Egipto, Turquía ..) Comunidad Europea, estatal, nacional, museos municipales en Italia e internacionales, Fundaciones. También continuó su investigación como gestor cultural independiente para proyectos de desarrollo social local de base cultural. En 2005 fundó Art & Communication, una asociación sin ánimo de lucro de apoyo, promoción y difusión del arte contemporáneo, que aún hoy sigue. Su interés se centra en las nuevas prácticas artísticas internacionales, especialmente en lo que respecta a la participación de proyectos de arte en espacios públicos. Super partes experta con la máxima profesionalidad y transparencia, objetividad y confidencialidad, discreción e imparcialidad, vela por el seguimiento constante del mercado evaluando oportunidades: - para los artistas en la creación de exposiciones personales y colectivas, apoyándolos en todas las fases y proponiendo vínculos concretos en Italia y en el extranjero - para clientes privados y empresas en venta y compra, para evitar riesgos y orientar la elección hacia precios auténticos con una relación calidad / precio equilibrada que ofrece el artista o el mercado mismo. Evaluación de obras de arte moderno y contemporáneo.

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  • 1 biografía
    • 1.1 Década de 1950
    • 1.2 Años sesenta
    • 1.3 Años setenta
    • 1.4 Años ochenta
  • 2 Exposiciones y bibliografía
  • 3 Carlo Alfano en los museos
  • 4 Archivo Alfano
  • 5 notas
  • 6 Otros proyectos
  • 7 Enlaces externos

Escasas y esenciales son las pocas notas biográficas del artista, que en los primeros años hablaba de un capítulo íntimo caracterizado por una "prehistoria" personal y una "obra solitaria [1]". Ya en la década de 1950, su formación junto a la "pintura" en el sentido estricto de la palabra otros intereses como la música (asistió al Conservatorio de San Pietro a Majella), la literatura y el estudio de la filosofía. Más tarde se interesará por los problemas relacionados con la representación y la percepción, esto lo llevará a inscribirse, después de asistir al Liceo, en la Academia de Bellas Artes de Nápoles. Desde los años sesenta hasta finales de los ochenta participó en algunas de las exposiciones más importantes celebradas en Italia y en Europa. Entre otros, han escrito sobre su obra: Flavia Alfano, Giulio Carlo Argan, Alberto Boatto, Bruno Corà, Maria De Vivo, Achille Bonito Oliva, Gianfranco Maraniello, Filiberto Menna, Pierre Restany, Jürgen Schilling, Erich Steingräber, Francesco Tedeschi, Angelo Trimarco , Lea Vergine, Andrea Viliani.

1950 editar

La primera producción de Carlo Alfano se refiere a una fase de formación, caracterizada por una intensa actividad experimental. En diciembre de 1955 se realizó su primera exposición personal en Nápoles en la Galería San Carlo donde presentó obras gráficas. Al mismo tiempo, el lenguaje pictórico de esos años sugiere imágenes que alternan concreciones materiales informales con ligereza colorista [2].

Años sesenta Editar

Partiendo del significado de la visión, la investigación de Alfano de la década de 1960 se centra en la relación contradictoria entre lógica y percepción. En 1962 expone en Roma en la Galería el obelisco un ciclo de obras donde el lienzo es el espacio negro, profundo e insondable, mientras las figuras aparecen monumentalmente aisladas y fluctuantes "el pintor tiende a insertarse en un sistema temporal, en una categoría, cuyas piedras angulares son los valores del fluir y duración. Anulando cada vez más lo visible y su contingencia inmediata ”[3].

A partir de 1963, superando el concepto tradicional de pintura, el problema de la representación expresado por el artista como forma de signo y la ambigüedad espacial en relación al tiempo emerge como central en su obra. Desde 1964 su investigación ha adquirido connotaciones cada vez más analíticas, emblemáticas en este sentido son las obras de ciclos. Estructuras y tipo rítmico es Tiempos de perspectiva presentado en 1966 en la Agencia de Arte Moderno de Lucio Amelio en Nápoles. En estas obras se pinta un sencillo sistema de señalización geométrica sobre un soporte de madera, sul

que se colocan en cilindros metálicos espejados o transparentes en metacrilato (denominados selectores por el artista). La interacción de la luz sobre estos cuerpos reflectantes crea diferentes casos fenoménicos y perceptivos. Ejemplar en este sentido es la instalación de la obra Tiempos de perspectiva, 1970-1972, colocado frente a las losas de la Tumba del Buceador [4] en el Museo Arqueológico Nacional de Paestum [5].

Alfano define así su homenaje personal a la espacialidad clásica y ofrece una contribución original a los experimentos del arte cinético y luego del arte conceptual que se desarrollaron en esos años. A partir de una reflexión sobre el clasicismo y sus cánones, el artista demuestra la ambigüedad entre el espacio y la convención de la perspectiva renacentista a través de diferentes métodos expresivos. Central en este sentido es el ciclo nombrado Distancias y en particular el trabajo Distancias (de las distancias desde la representación), de 1968 a 1969. La obra se instala en la esquina de una habitación y presenta una imagen espacial en perspectiva. Se invita al visitante a seguir la línea trazada en el suelo que debería llevarle al punto de fuga pero la ilusión de profundidad se desvanece cuando el usuario, caminando y reduciendo así la distancia entre él y la obra, encuentra la esencia de una ambigüedad espacial [ 6].

Muchas de las obras del artista se centran en la implicación total del espectador en el fluir del tiempo [7] y en la sugerente experiencia de la fructificación, así sucede en la obra. Distancias de representación1968/1969. Aquí, en la penumbra de una habitación, una gota cae a intervalos regulares, perfilando la representación en el agua y luego en el reflejo en la pared como la sombra de un entretenimiento silencioso e infinito [8].

Desde 1968, muchas de las obras diseñadas y creadas son instalaciones y ambientes como los presentados en 1969 en la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, en 1970 en las exposiciones Vitalidad de lo negativo (Roma), Mi amor (Montepulciano) y en la Agencia de Arte Moderno de Nápoles.

1970 Editar

Las obras de finales de los sesenta condensan el discurso sobre el espacio / tiempo en una forma esencial y definen así la poética de Alfano. La obra Espacio para voces, Archivo de nominaciones 1969, '70, '71, '72, '73, '74. de 1968/1969, es el trabajo-proyecto presentado en Nápoles (1972), en Milán, en la Galleria dell'Ariete, y en Berlín, en la Galerie Folker Skulima. La obra, que constituye el núcleo central de la madurez del artista, sólo conserva el espacio perimetral de un marco de aluminio vacío de 200 x 220 cm [9] de la forma clásica del cuadro. Aquí se disuelve la forma clásica del cuadro y se sustituye la representación por palabras que recorren todo el espacio de la sala.

El lienzo es reemplazado por un vacío en el que corre una cinta magnética y la representación da paso a la acción temporal que se expresa a través del sonido. Del marco emergen varios fragmentos de sonido, contenidos en muchos envueltos en bobinas y luego guardados en varias cajas de mármol que forman parte del Archivo de Nominaciones. Los diferentes fragmentos temporales que podemos escuchar tienen una duración de 1 minuto y 40 segundos, es decir exactamente el espacio / tiempo que tardan las cintas en atravesar el espacio vacío del fotograma con un movimiento circular y volver sobre sí mismas. El sonido de las palabras-tiempo que sale de dos pequeñas rendijas llena, dándole forma, todo el espacio del Espacio para voces, configurando un lugar para la representación de diferentes géneros artísticos como: naturalezas muertas, retratos, autorretratos [10].

Paralelamente, desde 1969 Alfano se ha reapropiado del medio pictórico tradicional y sobre grandes lienzos monocromáticos en blanco o negro transcribe su percepción subjetiva y personal del tiempo a través de secuencias numéricas lineales de segundos intercaladas con silencios, frases, pensamientos y reflexiones ocasionales. Los grandes lienzos del ciclo se presentaron en 1974 en Munich en la Galerie Art in Progress, luego en la Kunsthalle de Berna y en París en la Galeria Ileana Sonnabend. La primera de las obras pertenecientes al ciclo Fragmentos de un autorretrato anónimo es Fragmentos de un autorretrato anónimo # 1, 1969/1970, donde encontramos un fragmento visual reflejado e invertido en el plano espacial-pictórico que remite al fragmento temporal y sonoro de Espacio para voces.

Aquí el tiempo transcrito en el lienzo, segundo a segundo, interactúa con nuestro presente en una dimensión dialógica. Al respecto, Carlo Alfano aclara: “El significado de cada fragmento -como del gran fragmento que es el cuadro completo- no es el de comunicar una serie de conceptos completos y una linealidad del tiempo. De las unidades de los segundos (el signo he elegido para indicar el tiempo) Me interesa la aparición lenta de la palabra, las tensiones de sus reglas, los conflictos y exclusiones de sus movimientos subjetivos, antes de que la palabra alcance esa plenitud que llenará el silencio [11] ”. . Desde 1971 Alfano ha trabajado extensamente en una dimensión espacio-temporal inefable. El presente anónimo de la línea de los segundos, en el ciclo de Fragmentos de un autorretrato anónimo, se superpone, por ejemplo, con personajes paradigmáticos, interactuando con la epopeya errante de Don Quijote o con la densa geografía de los deseos de Molly Bloom, en Ulises por James Joyce.

En muchas obras de los años setenta, la reflexión de Alfano también se cruza con algunos iconos caravaggescos. En concreto, el aspecto en el que se centra el artista no es el aspecto figurativo de estos iconos, sino lo que se puede definir como un lugar de suspensión.

De El Vocación de San Mateo Le fascina la espera de Caravaggio en forma de oscuridad, la oscuridad como sustracción de la representación, "[ese] gran espacio vacío, oscuro [que] se abre como una frontera impracticable.” [12] En el ciclo De vocación a jugador, enfoca en la oscuridad el valor espacio-temporal de la pausa, de la distancia entre los dos grupos de personajes, haciéndola coincidir con el silencio de un umbral abierto a nuestro presente.

Este aspecto de la investigación, desarrollada desde mediados de la década de 1970, se expresa en el ciclo de Eco-Narciso presentado en 1978 en las salas del Museo Príncipe Diego Aragona Pignatelli Cortés en Nápoles y al año siguiente en Leverkusen en el Museo Morsbroich. El doble reflejo de Narciso y Eco en el agua y en el sonido remiten, una vez más, a un espacio ambiguo donde el yo y el otro proponen dos realidades iguales y diferentes en un plano temporal simultáneo. Las dos imágenes no coincidentes reflejan un lugar que coincide con la pérdida del centro de gravedad figurativo y la unicidad espacial imposible se siente en el espesamiento de versiones de la Vocación y Narciso, un afán por penetrar en la oscuridad semántica recién descubierta y ser explorado como un territorio virgen lleno de posibles sorpresas [13] .

Años ochenta editar

En las obras de los años ochenta la figura humana, representada dividida en dos partes, subraya una escisión y una pérdida de la centralidad clásica más que nunca interna del individuo. El trabajo de la década gira en torno a esta reflexión, puntuada por obras de impacto visual muy fuerte: enrarecido y fríamente silencioso. En las obras presentadas en la XL Bienal Internacional de Arte de Venecia en 1982, la fragmentación del espacio-tiempo se compara y se define como una fractura del lienzo individual [14] y la figura se cortan y se parten pero incluso si se dividen las dos mitades de la representación permanece en testimonio "Huellas y fragmentos del cuerpo, y del cuerpo en movimiento en un espacio vacío y silencioso, compuesto por áreas de luz y sombra, [...] 'figuras', que representan a un hombre que se mueve con dificultad, casi se arrastra, emerge o desaparece en las sombras… [15] ”.

Sobre el trabajo Ecodescent (claro - negro) (1981) parte de la colección Terrae Motus e ora ospitata nelle sale della Reggia di Caserta lo stesso Alfano dirà: “Le due sezioni del corpo spezzato sono l’una l’eco dell’altra: l’eco rimanda alla voce e viceversa. Nel mio lavoro è fondamentale il tema della duplicità. Nel mio caso il doppio non va inteso come sommatoria, bensì come condizione d’ambiguità in cui giocano il reale e il suo riflesso. Alla fine tutto oscilla tra questi due falsi. L’eco, a sua volta, è una voce che si ripercuote e che va oltre la sua sorgente di origine, ma che ha sempre bisogno di un’emittente, di una matrice: così nel quadro le due parti staccate non possono agire autonomamente [16] .” I grandi dipinti della metà degli anni Ottanta sono da considerarsi come un preludio per la genesi di Camera 1 e Camera 2: “un’eredità spiazzante, nutrita a sua volta di richiami alla storia dell’arte, dove Alfano ha voluto convocare e far rivivere alcuni dei segni più radicati nell’immaginario artistico occidentale, privandoli però delle loro vesti rassicuranti" [17] .

Camera n.1 (1987) realizzata per il Salone Camuccini (ora sala 2) nel Museo nazionale di Capodimonte di Napoli è un freddo polittico in

alluminio di 2 metri per 6 dove sono rappresentate le due metà di un corpo vitruviano che “(…) rispettivamente entrano ed escono nello e dallo spazio nero dell’opera. La parte destra della ‘figura’, quella posteriore, guarda nel suo ‘luogo’, nello spazio nero interno dell’opera dove si riflette l’esterno, il reale. La sinistra, la parte anteriore della ‘figura’, va verso l’esterno al quadro con il braccio teso come a cercare fuori dall’opera in cui vive il suo equilibrio, il suo spazio [18] .” A poca distanza dal polittico, nella “camera” dialoga a distanza una figura classica: si tratta di un ottaedro sulle cui facce appaiono bussole con orientamenti diversi, l’insieme dei piani rimanda ad una condizione instabile, disorientante e alla individuale perdita di coordinate un astratto oggetto simbolico diviene concreto riferimento di ingovernabilità del processo rappresentativo [19] . L’”insonorizzazione” emotiva perseguita in questo lavoro, come in molte delle opere della fine degli anni Ottanta, trova compiuta espressione nella respingente opacità dei pannelli in alluminio e della pellicola fotografica bruciata [20] , materiali che traducono percettivamente concetti e riflessioni che attengono alla dimensione sia pittorica che umana di Carlo Alfano quali: “durata, intensità, risonanza, profondità, opacità, sonorità, silenzio, memoria, destino, luce, oscurità [21] ”.

Per i dati bio-bibliografici completi ed aggiornati si rimanda al sito dell'Archivio Alfano e al catalogo "Carlo Alfano soggetto spazio soggetto" [22] , il catalogo della mostra ospitata dal MART di Rovereto nel 2017 [23] . Alcuni brevi video della mostra si possono vedere sul sito Internet del Museo MART.

Il 9 ottobre 2019, presso il Teatro San Carlo di Napoli, nel contesto del Festival Artecinema, è stata presentata l’anteprima mondiale del film “Carlo Alfano: tra io e l’altro”, diretto da Matteo Frittelli, ripercorre il lavoro di Carlo Alfano ricomponendo uno spaccato dell’immaginario dell’artista napoletano, accompagnando lo spettatore verso la scoperta delle opere [24] .

  • Museo D'arte Contemporanea Donnaregina - MADRE, Napoli
  • Reggia di Caserta, Collezione Terrae Motus, Caserta
  • Galleria Nazionale d’arte moderna e contemporanea - GNAM, Roma.
  • Museo archeologico nazionale, Paestum
  • Museo nazionale di Capodimonte, Napoli
  • Museo d’arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto - Mart , Rovereto
  • Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea - GAM, Torino
  • Galleria Civica d’Arte Contemporanea “Giuseppe Perricone”, Erice (TP)
  • Pinakothek der Moderne, München
  • Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam
  • Tel Aviv Museum of Art, Israele
  • Museum of Modern Art- MoMa Department Drawing and Prints, New York

L’archivio del pittore Carlo Alfano (Napoli, 1932-1990) ha sede a Napoli dove si trova la più ampia documentazione disponibile sull’opera di Carlo Alfano. L’archivio comprende: documenti appunti scritti autografi studi corrispondenze materiale di studio composto da negativi fotografie lastre antiche diapositive e foto realizzate da Carlo Alfano e utilizzate dall’artista per ricerca e studi preparatori taccuini di studio materiale cinematografico e filmati realizzati dall’artista e sull’artista materiale audio nastroteca e digitalizzazione del repertorio sonoro inerente l’opera Stanza per voci, Archivio delle nominazioni 1969,'70, '71,'72,'73,'74. , 1968/1969 ed una lunga intervista registrata nel 1990 materiale fotografico, una vasta documentazione iconografica del lavoro di Carlo Alfano che copre un arco temporale che va dagli anni Cinquanta alla fine degli anni Ottanta, una documentazione fotografica inerente gli allestimenti e le opere in collezioni pubbliche e private una biblioteca con i testi personali dell’artista cataloghi periodici quotidiani riviste specializzate tesi di laurea manifesti inviti.


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Notizie dell'artista Marco Perna

Nouvelle vidéo dédiée à mes derniers tableaux. Je remercie ma très chère amie Barbara Bouamra de m'avoir prêté sa voix magnifique

Marco Perna e Maria Chiara Salmeri per MAD in Monti

Via Tor de' Conti, 15, Rome, Metropolitan City of Rome, Italy

Perna e Salmeri per Mad in Monti

MARCO PERNA
Artista italiano residente in Francia, si è formato nell'atelier del pittore Manlio SARRA, maestro di cui ha condiviso l'amore per il colore, per il valore delle proprie radici e per le linee mai troppo definite.
Dopo alcuni anni in cui la sua ispirazione artistica aveva dovuto lasciare spazio e tempo alla sua professione di ingegnere e grazie anche a nuove motivazioni legate al suo trasferimento in Francia nel 2007, egli ha finalmente deciso di dedicarsi a tempo pieno a quello che è stato il suo primo amore: la pittura.
Impressionista concettuale, nelle sue tele la figurazione è utilizzata per interpellare l'animo dello spettatore e spingerlo a riflettere su dei significati che vanno al di là di quello che l'occhio percepisce e che costituiscono in realtà la vera ragion d'essere delle sue opere.
A volte ricorre anche al linguaggio astratto, quando lo ritiene più funzionale al tema che intende affrontare, perché si ritiene libero da schemi preordinati.
Il suo bisogno di esprimere il suo mondo interiore lo ha portato anche a cimentarsi nella scrittura per provare a mettere anche in versi la poesia di cui sono impregnate le sue opere pittoriche e per avere un mezzo d’espressione alternativo, o semplicemente complementare, al linguaggio pittorico.
Ha già esposto in diversi paesi europei, oltre che in Marocco e negli Stati Uniti ed ha opere esposte in permanenza al Polo espositivo Juana Romani di Velletri e al Palazzo Del Gaudio Campagna di Mendicino.
Hanno scritto di lui noti critici, fra cui: Eraldo di Vita e Pasquale Solano.
La rivista “EuroArte” pubblica regolarmente le sue opere e anche la rivista Franco-Lussemburghese “PassaParola” ha recentemente pubblicato una sua intervista.
Il noto critico Eraldo di Vita ha detto di lui: “Questo originale artista fa un uso della percezione comune del tutto sovversivo: i soggetti che dipinge sono riconoscibili, ma lui li rappresenta secondo una logica poetica, secondo un ordine capace di farli apparire in una luce inedita, dotati di una forza del tutto nuova. Egli vive nel mistero del mondo.”

MARIA CHIARA SALMERI
Maria Chiara Salmeri, di origini siciliane, vive e lavora a Roma.
Laureata in Storia dell’Arte Contemporanea, si occupa per diversi anni di questo campo
collaborando in qualità di curatrice di progetti espositivi e editoriali. Un lavoro di studio e di
confronto grazie al quale si accosta gradualmente alla pittura da autodidatta e per pura passione.
Espone nel 2012 in occasione di “Teatri Riflessi – Festival Nazionale di Corti Teatrali”, Catania,
con un progetto dal titolo “TeatraRte” e l’anno seguente in occasione del Premio Letterario
Antonio Aniante, Viagrande (CT).
I suoi lavori, acrilico e tempera su tela, si muovono sul terreno delle stratificazioni emotive e degli attimi catturati in danze di colori e tratti, in contrasto e simbiosi, di forme astratte che si
plasmano in strade vivaci.

Mes couleurs, mes mots, ma vie

Via della Madonna dei Monti, 69, Roma, Metropolitan City of Rome, Italy

Mostra personale di pittura

Mes racines, mes ailes

Château Ducal de Monte San Giovanni Campano

Dans le fameux Château Ducal de Monte San Giovanni Campano connu pour avoir été la prison de Saint Thomas D’Aquin et pour son histoire millénaire, j'expose une vingtaine de mes tableaux dans une expo organisé à la mémoire de mon maître le peintre Manlio SARRA.

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1ềre Expo Internationale de Marrakech des Arts Plastiques

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La 1ère Expo internationale des Arts Plastiques de Marrakech proposé par Almazar Art Gallery et l'Association Marocaine des Art Plastique et Échange des Cultures

Veritas Feminae

Villa Bernasconi L.go Alfredo Campanini 2 Cernobbio (Como)

Attraverso le opere pittoriche, scultoree, fotografiche e le installazioni di 52 artisti in esposizione + 7 guest artist fuori concorso, prosegue il percorso indagatore sull’universo femminile, portando alla luce le “verità velate” del suo animo. Il testo critico è affidato alla dott.ssa Teresa Stacca, critico d’arte. Anche per questa esperienza, ad ogni artista in esposizione sarà affiancato una ‘DONNA SIMBOLO’: Ipazia D’Alessandria, Sononisba Anguissola, Matilde Serao, Giovanna d’Arco, Frida Kahlo, Maria Sklodowska, Edith Piaf, Rita Levi Montalcini, Marie-Sophie Germain, Maria Callas, Sabine Spielrein e tante altre…. Tutte donne che hanno lasciato un’impronta indelebile nella nostra storia.
Il vernissage è fissato per il giorno 8 dicembre alle ore 18.00 in presenza delle Istituzioni locali, degli artisti, appassionati d’arte, addetti del settore e critici.
La mostra sarà fruibile fino al18 dicembre 2016 con orario 14.00/19.30.
L’ingresso è libero.
Durante il Vernissage è prevista la Performance
DANDELION | Ciò che per Lei è salvezza, per Lui è prigione
a cura di Mina D’elia e Massimiliano Manieri.
Mina e Massimiliano ci condurranno insieme alla conoscenza di mondi apparentemente contrapposti, il maschile ed il femminile, e il tentativo, artistico e poetico, di superare le "cesure", di trovare una nuova via. Lui rappresenta la gravità, il nichilismo che però nascondono un estremo e titanico sforzo di "liberazione". Lui cuce i suoi veti a chimere elette a dogmi carnefici. Lei, nella gravità e nel Caos, si fa "piuma, vento, seme" per riappropriarsi della dimensione naturale che ci è toccata come destino, ma della quale l'umanità sembra aver perso ogni ricordo. Il femminino opera il riscatto, rende possibile ancora farsi "beffa" dei sistemi (economico, ideologico, religioso) e rialzare gli occhi al cielo e nutrirsi ancora della Terra. La leggerezza e il gioco nascondono ben altro! Sono l'ultimo e il più poetico tentativo di Salvezza dopo aver attraversato il dolore, il fallimento, il senso di Caos e di morte che sembra schiacciare ogni traccia di spiritualità, di sacralità.
Ad arricchire la serata inaugurale, inoltre, reading itineranti di poesie tra le stanze espositive, con scelte poetiche a cura di Liliana Angela Grassi e letture recitate dai lettori dell’Associazione #abbracciebaci:
Re Giovanni, Massimo Varisco, Giorgio Cottini e Malu’ Lattanzi
La Location
Villa Bernasconi a Cernobbio costituisce uno dei più preziosi esempi di stile liberty in Italia. Fu edificata prima tra il 1905 ed il 1906 dall’Architetto Alfredo Campanini, non direttamente sul lago ma a poca distanza dallo stabilimento tessile del committente Davide Bernasconi. La decorazione della villa è ispirata all’industria tessile: uno dei più notevoli dello stile floreale esuberante in Lombardia. I motivi decorativi ricordano il processo di produzione della seta con decorazione che si ispirano a bachi da seta, farfalle e foglie di gelso.

Portraits manqués

Galerie Neuf 9 rue Gustave Simon, 54000 Nancy

Les artistes de l'association ADEIG : Philippe DEGOTT, C-M.GRIMALDI, Elvis MAGHALAES, Marco PERNA, peintures et Etienne MARCHAL, sculptures
vous présentent leurs : "PORTRAITS MANQUÉS"
d'après un texte de VOLTAIRE :
"On ne peut faire ton portrait :
Folâtre et sérieuse, agaçante et sévère,
Prudente avec l’air indiscret,
Vertueuse, coquette, à toi-même contraire,
La ressemblance échappe en rendant chaque trait.
Si l’on te peint constante, on t’aperçoit légère :
Ce n’est jamais toi qu’on a fait

L'Apparenza Incanta

Castello di Fiano Romano 00065 Fiano Romano

La mostra vuole, oltre che entrare nel clima del luogo, dare libera interpretazione del concetto di apparenza agli artisti. Avrà luogo presso l’ala sud privata del Castello di Fiano Romano, in provincia di Roma

ArtEos al Monumentale

Complesso Monumentale "Guglielmo II" Monreale - Palermo

Con il Patrocinio del Comune di Monreale
L'Associazione Culturale ArtEos presenta:

Mie opere del biennio 2015-2016
Colonna sonora : "Il respiro di una notte d'estate . " di Luigi Pellegrini

Face'ARTS

Galleria Farini Via San Vitale 23/a, 40125 Bologna

Un’esplosione di arti, stili e colori. È l’energia che dà vita all’ottava edizione di Face’Arts, la mostra internazionale d’arte contemporanea che si terrà a Bologna dal 22 ottobre al I novembre. Dopo aver toccato location prestigiose in città come Conversano, Pesaro, Lecce, Jesi, Merano, Verona e Matera, l’evento fa tappa alla Galleria Farini Concept. Uno scenario d’eccezione dove per dieci giorni prenderanno vita le opere di oltre quaranta artisti provenienti non solo dall’Italia, ma anche da vari paesi europei, tra i quali Germania, Austria, Svizzera, Francia e Irlanda. Promossa anche l’arte locale con la partecipazione di due artiste bolognesi: Gabriella Baraldi e Bruna Labruna. Ideato e curato da Mary Sperti in collaborazione con il professor Nuccio Mula, componente dell’Associazione internazionale Critici d’Arte e uno dei dieci iscritti alla lista critici d’arte parigini, la mostra nasce con l’obiettivo di divulgare l’arte in tutte le sue forme, cercando di creare un palcoscenico che possa far convivere armoniosamente la scultura, la pittura, la fotografia, la danza, la musica e la letteratura. Patrocinato dall’Ordine dei Giornalisti delle Marche, regione dove risiede la Sperti, dal Comune di Bologna e dalla Regione Emilia Romagna, l’evento, oltre che a far conoscere gli artisti presenti, è stato concepito con l’intenzione di rendere sempre più stretto il rapporto tra i vari aspetti artistici e il fruitore, consentendogli di vivere un’esperienza simbiotica con ciò che lo circonda all’interno della location utilizzata. Proprio per favorire il consumo d’arte, l’accesso alla mostra è totalmente gratuita. Altro fondamentale intento è quello di far interagire il territorio con l’arte, facendo convogliare per i giorni dell’evento decine di artisti in città, offrendo loro lo specchio di peculiarità – culturali, artistiche, turistiche, enogastronomiche - che la regione che ospita Face’Arts possiede. A fare da collante a tutte le edizioni fino ad ora realizzate, la stampa di un catalogo in cui vengono descritti gli artisti presenti e le opere esposte. La conferenza stampa dell’evento si terrà il 21 ottobre alle ore 11 presso il portico della Galleria Farini. Il vernissage è previsto per il 22 ottobre, ore 18. Ad aprire la mostra, i musicisti del duo Emhain Cecilia e Alici Masini, e la degustazione dei vini d.o.c dell’Azienda Vitivinicola Socci di Castelplanio (Ancona). Presente il sommelier forlivese Maurizio Brasini.

Di Rosa . in Rosa

Roseto di Roma Capitale Via di Valle Murcia 7 Roma

Mostra d'Arte nell'ambito del Concorso Internazionale per nuove varietà di rose "Premio Roma" 2016 74a Edizione

Biennale di Viterbo, 4a edizione

Palazzo dei Priori, Palazzo dei Papi e Convento, Museo e giardino Santa Rosa Venerini, VITERBO

CANTIERE BIENNALE VITERBO
Viterbo, 5 maggio - 5 giugno 2016
Il 5 maggio si apriranno le porte del Cantiere Biennale nelle sedi di : Palazzo dei Priori, Palazzo dei
Papi e Convento Santa Rosa Venerini, con allestimenti work in progress, per cercare quella magia
che ci salva e cura dalle tenebre, per vivere con intensità nel quotidiano anche il mondo invisibile
dei pensieri e dei sentimenti ed arrivare, non esausti ma felici, fino all’ultimo giorno per
l’inaugurazione.
Nell’Anno Giubilare della Misericordia e del 400° anno dalla morte del grande scrittore William
Shakespeare, la Biennale di Viterbo, giunta alla 4a edizione, è la più “giovane” d’Italia, giovane
nello spirito, nelle dinamiche, e nell’attenzione sempre riservata fin dagli esordi, alla generazione
artistica accademica, emergente e contemporanea, senza mai dimenticare ed esaltare la bellezza e la
cultura antica.
Un Cantiere dove di giorno in giorno si costruirà, o ricostruirà: saranno a ricordarcelo I Solisti
Aquilani con un Concerto al Duomo di San Lorenzo il giorno 6 maggio alle ore 21. Mentre pittori,
scultori e performers accoglieranno il curioso spettatore nelle sedi espositive di Palazzo dei Priori in
sala Regia, Palazzo dei Papi in sala Alessandro IV, nel Convento Santa Rosa Venerini con le
Accademie di Bari, Firenze, Milano, Roma, Urbino e Verona, nonchè il liceo artistico di Conegliano
(Tv).
Due le aperture speciali : il Museo Santa Rosa Venerini, dove oltre la visita, sarà presente la mostra
“. camminando con Francesco” di Stefano Galardi l’attiguo giardino con l’inaugurazione della
prima residenza d’artista di Viterbo in cui la ceramista Daniela Lai di Artistica realizzerà in itinere
durante tutto il mese della Biennale un’opera site specific dedicata all’infanzia.
Sempre nel Convento Santa Rosa Venerini si allestirà la prima residenza teatrale. Mentre al Gran
Caffè Schenardi “Cleopatra divina donna d’Inferno”, di e con Antonella Rizzo, si presenterà nella
sua vera essenza di donna. E “nel mezzo del cammin. “ il 15 maggio ci troveremo a Tuscania per
assegnare il Riconoscimento Internazionale per la Cultura Indipendente in Movimento ad una
grande donna “pastora ed artista” : Bonaria Manca (Orune, 1925*).
Molti gli eventi in calendario, un viaggio, un sogno che ricalcherà quello di uno Shakespeare
ventenne, con il suo stile e talento visionario, che nell’estate del 1584 salpa dal porto di Dover alla
volta dei Paesi Bassi, tra tumulti e contese, passando di città in città, quelle città e paesaggi che
fanno da sfondo all’umanità varia che il giovane incrocia lungo il suo cammino: spie e patrioti,
mercanti e predicatori riformisti, raffinati intellettuali e sanguinari uomini d’arme, giovani vergini
suicide e smaliziate prime donne di compagnie teatrali.
Un lungo viaggio iniziatico, come nell’opera alchemica di Eva Tarantello, nel corso del quale il
giovane poeta incontra praticamente tutto quello che riverserà nella sua opera, ben sapendo che “le
propensioni di un carattere si deducono tutte da un certo numero di sentimenti, così come con poche
cifre è possibile scrivere tutti i numeri” (Léon Daudet).

VI BIENNALE D'ARTE CONTEMPORANEA ITALIANA (Lecce)

Complesso Monumentale Guglielmo II°, Monreale (PA)


Video: ROBERTO CARLOS - QUE SERA DE TI EN VIVO


Comentarios:

  1. Alexavier

    ¿Y si miramos este tema desde otra perspectiva?

  2. Mikall

    Esto es exagerado.

  3. Artair

    hola a todos !!!!!!!!!!

  4. Zelig

    Brillar



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